Top Álbumes 2010 - 2019: Vol. I.

Top 100 Álbumes de la Década




100.- “Bloom”, Beach House. [2012]
Crear un sucesor para “Teen Dream" (el aclamado tercer disco de Beach House) que no sonara decepcionante era una tarea difícil, sin embargo, el dúo mantuvo la calidad perfeccionado su hipnotizante e infalible fórmula Dream Pop repleta de encantadoras melodías, arpegios y sonidos ambientales que transportan a lugares fantásticos, además de añadir una producción más pulida y detallada. Con “Bloom” Beach House se confirmó como uno de los mejores y más interesantes proyectos de este siglo. 


99.- “m b v”, My Bloody Valentine. [2013]
Le tomó a Kevin Shields más de dos décadas darle continuación al seminal “Loveless”. Sin embargo, más de 20 años valieron la pena para recibir otra magnífica obra de Showgaze y Noise Pop. Buenas cosas llegan para aquellos que esperan, por lo menos cuando de My Bloody Valentine se trata. 


98.- “Hopelessness”, Anohni. [2016]
La transición de Anohni (antes conocido como Antony Hegarty) llegó no solo con una nueva identidad de género, sino que también comprendió una transformación musical. Lejos del Chamber Pop de su anterior proyecto Antony and The Johnsons, en “Hopelessness”, Anohni reinventó su sonido a través de la electrónica experimental y abordó temas políticos mediante canciones de descontento y protesta, mostrando una faceta completamente diferente y probablemente más interesante que la presente en sus trabajos anteriores.


97.- “Hurry Up, We’re Dreaming”, M83. [2011]
En 2011 M83 lanzó una obra magna de Synthpop siguiendo un simple pero efectivo concepto. Un álbum doble dedicado a la infancia donde cada mitad jugaba el papel de hermano y hermana y cada canción tenía su contraparte dentro de las mismas. Un disco repleto de nostalgia e inocencia; Un reflejo de la mirada hacia el mundo a través de los diferentes cristales que se van sucediendo con cada etapa de la vida.


96.- “All Mirrors”, Angel Olsen. [2019]
Angel Olsen actualizó su sonido en 2019, dejando de lado la simpleza del folk y el rock de tintes sesenteros que revestían sus anteriores trabajos para dar paso a la grandilocuencia de las cuerdas, la modernidad de los sintetizadores y la contundencia de las cajas de ritmos. Sin alejarse ningún momento de su esencia, Olsen se presentó  imponente e iracunda en un álbum que retrata el término de una relación pero no sólo desde el punto de vista devastador, sino también desde sus aspectos empoderantes y liberadores. 


95.- “Wounded Rhymes”, Lykke Li. [2011]
Justo al inicio de la década, en el 2011, la sueca Lykke Li nos regaló su segundo álbum de estudio el cual contó con Björn Yttling de Peter, Björn and John en la producción. ‘Wounded Rhymes’ representa la evolución sónica y lírica de la sueca, moviéndose hacia atmósferas más íntimas, oscuras y crudas sin dejar de lado lo brillante y contundente del pop nórdico.  


94.- “Mon Laferte Vol. 1”, Mon Laferte. [2015]
A 5 años de haber comenzado la década y tras 3 álbumes comercialmente fallidos, Monserrat Bustamante, mejor conocida como Mon Laferte, nos entregó uno de los discos más potentes y explosivos del pop latinoamericano. En esta entrega, Mon decidió depurar su estilo hacia uno más honesto, enérgico y despreocupado que le permitiera navegar igualmente en las aguas del ska y el rockabilly como en las del folk, bolero y baladas pop. El resultado es un ecléctico rompecabezas que embona perfectamente con la impredictibilidad del sentimiento latino y que representó un gran éxito comercial que la catapultaría como una de las grandes exponentes de la música en español de la década.


93.- “Vibras”, J Balvin. [2018]
La consagración del Reggaetón como el género más importante en el planeta y de J Balvin como el artista más popular del globo llegó con “Vibras”. Balvin se convirtió en la principal fuerza motora del auge de este género caribeño a través del último lustro de la década pasada, pero fue con “Vibras” que alcanzó la validación de la crítica y abrió el camino para que intérpretes no anglosajones como Bad Bunny o Rosalía dominaran la industria. 


92.- “Remind Me Tomorrow”, Sharon Van Etten. [2019]
Sharon Van Etten había entregado un álbum sobresaliente con cada lanzamiento, sin embargo después de cuatro trabajos de composiciones íntimas y minimalistas, un cambio de sonido era indispensable. En “Remind Me Tomorrow”, Etten se renovó no tanto en temática, pues las canciones continuaron siendo desgarradoras cartas de desamor y de nostalgia, pero sí mucho en instrumentación, cediendo el protagonismo a la distorsión y los sintetizadores tan evidentemente como en la casi bailable “Comeback Kid” o la sublime “No One’s Easy To Love”.


91.- “We Got It from Here… Thank You 4 Your Service”, A Tribe Called Quest. [2016]
A Tribe Called Quest, pioneros del Hip Hop alternativo se reunieron para grabar un álbum en 2015, que finalmente fue lanzado en 2016 a pesar del lamentable fallecimiento de Phife Dawg durante el proceso creativo. Q-Tip y Ali Shaheed Muhammad continuaron con el proyecto, finalizado la carrera de la agrupación con un álbum destacadísimo, enalteciendo el legado de una de las más importantes agrupaciones de Hip Hop que han existido. 


90.- “Flower Boy”, Tyler The Creator. [2017]
Como antesala de su obra maestra “Igor”, Tyler The Creator creo un álbum amplio y completo, aunando una faceta un poco más emocional a su habitual estilo irreverente; Para muestra las dispares en emoción pero similares en calidad “See You Again” y “I Ain’t Got Time!”. “Flower Boy” nos demostró la magnitud del talento de Tyler Okonma, quien es capaz de facturar complejas composiciones, ejecutar emocionantes interpretaciones y crear impresionantes visuales. 


89.- “Conducción”, Ases Falsos. [2014]
Después del celebrado “Juventud Americana”, los chilenos volvían con un trabajo distante, pero de la misma calidad. Briseño y compañía triunfaron en “Conducción” al unir el indie latinoamericano con influencias de cantantes populares de los 70’s y 80’s, como José Luis Rodríguez, Raphael o Luis Miguel, obteniendo como resultado un disco cálido y nostálgico a partes iguales, de melodías y arreglos exquisitos.


88.- “Thank You, Next”, Ariana Grande. [2019]
En la década pasada nos liberamos de estereotipos e ideas preconcebidas, lo que nos permitió valorar cada obra artística por igual… y es una suerte por que las superestrellas más grandes del planeta nos  dieron álbumes destacados, como el corto, directo y contundente “Thank You, Next”; Un álbum sin pretensiones (“Bloodline", “Bad Idea”, “Make Up”, “7 rings”) pero con sus momentos profundos (“Thank You, Next", “Ghostin”, “Fake Smile"), que tiró del auge del R&B y la música urbana para terminar de establecer a Grande como una artista de álbumes y no una simple intérprete de hits (algo que ya quisieran lograr, por ejemplo, Selena Gómez o Katy Perry), y demostrando que el éxito de ventas no está de ninguna manera confrontado con la calidad musical. 


87.- “1989”, Taylor Swift. [2014]
Si los 90’s vieron a Shania Twain transformarse de estrella country a superestrella pop con “Come On Over”, los 2010`s tuvieron su propia réplica. Con “1989”, Swift pasó de ser una moderadamente conocida intérprete estadounidense a estar absolutamente en todos los medios internacionales. Afortunadamente esto se debió, más allá de sus  escándalos personales, a que fue capaz de realizar el crossover sin perder un ápice de personalidad y confirmando sus grandes dotes como compositora más allá del género en el que se estuviera sumergiendo. 


86.- “Otra Era”, Javiera Mena. [2014]
Este álbum se entrega totalmente a la música bailable, percibiéndose influencias de Kylie Minogue, Pet Shop Boys e incluso Shakira, pero con el sonido “Javiera” distintivo bien presente. El éxito de “Otra Era” no fue cuestión de suerte, sino consecuencia de la gran ambición y trabajo de una artista en busca de la perfección: Mena analizó las composiciones de Max Martin (22 de ellas no.1 en USA) para poder escribir los mejores hits posibles y además encargó la mezcla a Javier Garza, asentado en Miami, quien ha trabajado con Gloria Estefan o Jennifer López, entre otros. “Otra Era” fue el tercer álbum destacado en la carrera de Javiera Mena, una de la líderes de la escena independiente latinoamericana.


85.- “Isolation”, Kali Uchis. [2018]
El álbum debut de la colombiana-americana llegó como una bomba de sensualidad, reivindicación y libertad que explota en todas las direcciones posibles. Retomando algunas de las bases de su magnífico EP “Por vida” lanzado en el 2015, “Isolation” pule cada beat y hace una entrega elegantísima de R&B, funk, reggaeton, bedroom pop e incluso un poco de psicodelia. El claro estilo y  visión de Uchis, más su fuerte -aunque corta- experiencia aunada a la producción del álbum con intervenciones como la de Dave Sitek de TV on the Radio y Om’Mas Keith (colaborador de Frank Ocean) y colaboraciones brillantes con Damon Albarn en ‘In My Dreams’, Kevin Parker en ‘Tomorrow’ y Tyler the Creator en ‘After The Storm’ hacen del álbum una de las entregas más atrevidas al lanzar una propuesta que pretende hacer crecer los tentáculos de R&B hacia territorios todavía no explorados. 


84.- “Shaking The Habitual”, The Knife. [2013]
Contundente es la palabra que mejor describe a este álbum, el cuarto en la carrera del alabado dúo sueco. Para bien o para mal The Knife logran sorprender al escucha con este trabajo, entre temas instrumentales y experimentos electrónicos, que en ocasiones llevan a estados de éxtasis. “Shaking The Habitual” más que como un álbum debe abordarse como un manifiesto de todas la ideas radicales que siempre han caracterizado al dueto, que esta vez opta por alejarse de la simplicidad del pop para concentrarse en crear composiciones largas, profundas e hipnóticas.


83.- “Field Of Reeds”, These New Puritans. [2013]
Sucesión directa de esa pequeña obra maestra llamada “Hidden” (2010), “Field Of Reeds” es resultado del perfeccionismo de Jack Barnett, cabeza de la banda, quien ha decidido alejarse del Art Rock en que estaba catalogada su música, para crear un disco de Neo-Clásica. Esta es una obra altamente compleja y difícil de abordar, que requiere de la mayor atención posible para poder percatarse de todos los detalles, para comprender las estructuras y asimilar los sonidos, pero una vez que se ha asentado en nuestro oído nos muestra su enorme belleza, a veces intrigante (“Light In Your Name”) y otras celestial (“Field Of Reeds”).


82.- “Invasion Of Privacy”, Cardi B. [2018]
De entre la basta cantidad de lanzamientos importantes en la música urbana publicados en los últimos años, el debut de Cardi B se destaca por su diversidad, contundencia y sobre todo, por la personalidad irreverente y divertida de la norteamericana. Con este manifiesto de rap contemporáneo, Cardi logró un rotundo éxito comercial y una credibilidad crítica unánime, toda una proeza tratándose de una intérprete femenina en una escena considerablemente machista y misógina. 


81.- “4”, Beyoncé. [2011]
El cuarto álbum de Beyoncé fue todo un parteaguas en su carrera. Por primera vez no logró un éxito comercial exorbitante ni un reconocimiento inmediato del público general, pero sí mostró los primeros destellos de grandeza de una de las mentes maestras de la música popular contemporánea. Hambrienta de experimentación, Knowles se rodeó de nuevos sonidos y nuevos productores para dar un gran salto después del cual jamás descendería, el primer paso hacia el pedestal del que no ha bajado. 


80.- “Broke With Expensive Taste”, Azealia Banks. [2014]
Tras dos años de espera, en 2014 se lanzó pon fin este álbum, que llegamos a pensar nunca se publicaría. Para lograr la edición de 'Broke With Expensive Taste’ Azealia estuvo en una lucha constante con su discográfica, pero el resultado fue un triunfo total. Banks supo plasmar perfectamente sus dotes para el rap y su excéntrica personalidad en un disco que oscila principalmente entre la música House y los géneros Urban, pero que obtiene sus mejores momentos cuando se aventura a entrar en terrenos desconocidos como la música latina y el surf-rock.


79.- “James Blake”, James Blake. [2011]
Inimaginable era que años después de debutar James Blake estaría colaborando con los líderes de la industria, sin embargo lo que si sabíamos era que Blake estaba creando algo completamente diferente a lo que se escuchaba en el mundo. En su momento fue etiquetado con un nuevo genero al que se le llamó post-dubstep, pero el tiempo nos mostraría que su propuesta estaba mucho más ligada al Soul que a la electrónica. 


78.- “Father, Son, Holy Ghost”, Girls. [2011]
Una de las mejores pero al mismo tiempo más dolorosas despedidas de los 10 años pasados fue la del duo de San Francisco, Girls. La banda nos había sorprendido con su mezcla de lo-fi indie, melodías dulces y mucha, pero mucha melancolía. Siendo apenas su segundo álbum, “Father, Son, Holy Ghost” concluyó para siempre la historia de Girls. Al igual que su debut, esta segunda entrega marcó la historia dejando plasmado un excelente repertorio perteneciente a la que evidentemente se convertirá en una banda de culto por derecho propio. 


77.- “Devotion”, Jessie Ware. [2012]
La voz del nuevo R&B británico impactó con su primer trabajo al inyectar sofisticación, elegancia y modernidad a un genero que yacía estancado entre la cursilería y lo monótono. Con su voz aterciopelada y una producción avant-garde, Jessie Ware se convirtió en una Diva que no solo se preocupó por entregar vocales impresionantes sino también por aportar avances musicales. 


76.- “I See You”, The XX. [2017]
El tercer y tan esperado álbum del trío londinense llegó después de 5 años en los que cada uno de los integrantes se dedicó a proyectos profesionales y personales por separado. Durante la pausa, la carrera en solitario de Jamie xx se catapultó tras lanzar ‘In Colour’ en el 2015 e igualmente al colaborar como productor con diversos actos, Alicia Keys entre ellos. Tal suceso influenció una maduración y una redefinición del sonido de The xx en su última entrega, la cual, conserva su -ya patentada- combinación musical; guitarras sentimentales por parte de Romy, pulcras y contundentes  líneas de bajo de Oliver y arreglos de sintetizadores  y sampleos clásicos de Jaime, y aumenta y expande cada uno de estos elementos al integrar una base electrónica mucho más sólida y letras aún más íntimas que dejan ver el crecimiento personal de cada uno; tocando temas como la soledad después del éxito, el dolor y reconstrucción después de las pérdidas y las declaraciones de amor y deseo lejos de la vacilación.


75.- “Lonerism”, Tame Impala. [2012]
El proyecto del australiano Kevin Parker , nacido como el súper aclamado “Innerspeaker” en el 2010 transmutó en tan solo dos años a un idilio entre el rock experimental, psicodélico, la música electrónica y el pop. La soledad en un mundo hiperconectado, los amores imposibles y la interminable pelea entre el intentarlo y no-ser-suficiente son algunos de los temas que componen la espina lírica del álbum y los cuales resuenan a través de las obsesivas y pulidísimas texturas de cada track. Es impresionante lo multifacético de las creaciones de Parker, que invitan a un viaje que promete un caleidoscopio de emociones y sensaciones al colocarse los audífonos y que al vivirlo en un show en vivo, no solo mantiene la íntima conexión, sino que la magnífica con el coro de las multitudes que fueron una a una previamente hipnotizadas. 


74.- “A Brief Inquiry Into Online Relationships”, The 1975. [2018]
Una gran sorpresa nos dio la banda británica lanzando un disco que habla de la vida moderna, la tecnología y las redes sociales, adjudicándose comparaciones para nada gratuitas con ‘Ok Computer’.  ‘A Brief Inquiry Into Online Relationships’ es el soundtrack pop alternativo perfecto para grandes obras visuales como ‘Her’ o ‘Black Mirror’, que versan sobre los peligros de la cada vez más estrecha relación entre el hombre y la tecnología. 


73.- “Strange Mercy”, St Vincent. [2011]
“Strange Mercy” fue un álbum transitorio, justo antes de que Annie Clark se convirtiera en la sucesora predilecta de David Bowie. Aquí, aunque la propuesta estética de Clark aun no se volvía tan estilizada y contundente, ya se vislumbran los elementos que la tornarían al espacio más adelantado del indie pop: Melodías extrañas, armonías complejas, acrobacias instrumentales (principalmente en la guitarra) y una narrativa que bebe mucho de la ciencia ficción. 


72.- “Honey”, Robyn. [2018]
Ocho años después de “Body Talk” Robyn regresó apegada a su fórmula: sintetizadores, ritmos bailables y mucha melancolía. Sin embargo, a diferencia del álbum anterior, en ‘Honey’ se percibe más autonomía creativa por parte de la autora, quien se liberó de las limitaciones y restricciones implícitas en la búsqueda de la canción pop perfecta, dando mayor protagonismo a la experimentación. Robyn, si necesitas ocho años más para entregarnos otra obra maestra, tómate tu tiempo por favor. 


71.- “Random Access Memories”, Daft Punk. [2013]
Con este álbum los franceses rompieron las barreras del hype, con una campaña que elevó la anticipación por su lanzamiento a niveles estratosféricos y les dio el lugar más popular de la música electrónica ipso facto. El hype definitivamente pudo jugar en su contra, pero con un álbum tan sólido alcanzar las expectativas era pan comido. Con la ayuda de grandes leyendas (Nile Rodgers, Giorgio Moroder, Todd Edwards) y otras estrellas contemporáneas (Pharrell Williams, Julian Casablancas, Panda Bear) construyeron un remarcable álbum de Electrónica, Disco y R&B que convirtió a toda una nueva generación en fanáticos devotos.


70.- “Settle”, Disclosure. [2013]
Lo que en teoría pudo sonar como otro disco más de electrónica proveniente de las islas en la práctica se convirtió en El Disco de electrónica inglés por excelencia, donde los hermanos Lawrence desarrollan con maestría una combinación de House y Uk Garaje creando un sonido irresistible, que bebió mucho del revival noventero tan de moda en la década pasada.


69.- “A Moon Shaped Pool”, Radiohead. [2016]
Radiohead no necesitan ninguna presentación, llevan más de 20 años siendo la agrupación líder en el panorama musical alternativo. Sorpresivo sería en realidad que no aparecieran en esta lista. Si bien “The King Of Limbs”, álbum de 2011 pareció un ligero tropiezo, con “A Moon Shaped Pool” supieron remontar con un hipnotizante, emocionante, cautivador y fascinante trabajo. 


68.- “Our Love”, Caribou. [2014]
El séptimo disco del músico electrónico canadiense Dan Snaith está inspirado por el amor, de una forma bastante universal (amor a la familia, a los amigos, a los fans), y esto se ve perfectamente traducido en el sonido, claramente el más cálido en su discografía. Para lograr esto, Snaith se dejó un poco de experimentaciones e incorporó géneros y estructuras más comunes a su discurso, sin sacrificar la calidad en ningún momento. “Our Love” es, al final de cuentas, un disco bastante accesible, pero no menos importante, creado, como el mismo Snaith dijo, con la finalidad de que fuera para todos.


67.- “LEGACY! LEGACY!”, Jamila Woods. [2019]
La poetisa y activista Jamila Woods se ha convertido en una de las más importantes compositoras de R&B gracias a su segundo álbum, en el cual se encarga de retratar el racismo y el machismo de la sociedad actual, desde su perspectiva de mujer afroamericana. Referenciando en cada uno de sus 13 tracks a un personaje erudito del ambiente artístico (de Frida Kahlo a James Baldwin, pasando por Miles Davis), Woods factura un álbum de empoderamiento donde caben el House (“BETTY for boogie”), el Gospel (“BALDWIN”) y el Hip Hop (“SUN RA”) y que ejerce el papel de nítida postal del mundo post Black Lives Matter. 


66.- “Cupid Deluxe”, Blood Orange. [2013]
“Cupid Deluxe” representó la consolidación de Dev Hynes como compositor y productor, para lo cual no fueron necesarios grandes experimentos ni vanguardias, solo buenas canciones llevadas por el mejor camino posible. Para ello recurrió una vez más al pop ochentero presente en su primer disco “Coastal Grooves”, sin embargo también decidió expandir su paleta sonora al funk, al disco y al R&B, acompañándolos con unos vientos y percusiones incidentales pero bien colocados que lograron darle a este disco una personalidad elegante, aunque también muy sensual. 


65.- “AM”, Arctic Monkeys. [2013]
Antes de aocanzar la mitad de la década, en el 2013, el cuarteto de Sheffield llegó con el cabello engominado y ataviados en chamarras de cuero para entregar el álbum que se convirtió en su parteaguas comercial y que significó una apertura a la exploración y combinación con nuevas bases rítmicas guiadas a partir del del R&B y del hip-hop. El resultado fue una producción cargada de bases sólidas y más pausadas de bajo y batería a cargo de O’Malley y Helders, de los icónicos riffs de guitarra de Cook y  la inconfundible voz de Turner. El giro en esta producción, consistió en bajar el tempo y transitar justo en el medio de la sensualidad y sencillez de los ritmos urbanos y la inmediatez del rock. Las estructuras líricas también se vieron influenciadas por esto. Después de 6 sencillos, liderear diferentes listas de popularidad en Reino Unido y Estados Unidos y ser headliners de Glastonbury por segunda vez, los Arctic Monkeys fueron uno de los estandartes más importantes del rock durante la década.


64.- “Hasta La Raíz”, Natalia Lafourcade. [2015]
La cronología precedente al lanzamiento de ‘Hasta La Raíz’ parece errática en algunos momentos, con el lanzamiento en 2009 de ‘Hu Hu Hu’, de mediano éxito, y luego en 2012 el lanzamiento de un recopilado de covers del renombrado cantante, compositor y también veracruzano, Agustín Lara. Dicha producción, resultó ser magnífica al reconstruir cada tema con extremo detalle y contar con colaboraciones brillantes de lumbreras de la música hispanoamericana como Jorge Drexler, Miguel Bosé y Lila Downs, solo por mencionar algunos. Dicho álbum le sirvió a Natalia para tomar suficiente vuelo y agarre para emprender y ejecutar un viaje preciso al centro de la música folklórica mexicana y al pop en español y consolidarse como una de las mejores compositoras e intérpretes latinas. ‘Hasta La Raíz’ es una carta abierta escrita con tinta del azul más profundo, con trazos firmes pero arrebatados y con un mensaje claro y devoto  para el más cálido amor, ya sea una persona, el propio país o la música misma. 


63.- “Kaleidoscope Dream”, Miguel. [2012]
Miguel fue el último jinete de la trinidad de intérpretes que vinieron a rescatar el R&B a principio de la década (junto a The Weeknd y Frank Ocean). Él fue quizás el que se apegó más al canon, respetando las reglas básicas del género sentadas por leyendas como Prince o Maxwell. Quizá no haya tenido la visión artística de Ocean o la ambición comercial de Tesfaye, pero se agradece que Miguel apareciera para actualizar la figura de los iconos pasados del R&B sin negarse al progreso. 


62.- “DAMN”, Kendrick Lamar. [2017]
El lanzamiento de "DAMN" confirmó a Lamar como uno de los mejores raperos de la última oleada, si no es que el mejor. Con su ya conocida y renombrada técnica lírica utilizada para alzar la voz en temas que van desde lo más íntimo como la depresión hasta el racismo y otras desventuras socio-políticas. Este álbum le valió no solo el reconocimiento en la industria musical al llevarse el galardón al mejor álbum rap del año en la ceremonia de los Grammy en 2018, sino que también fue reconocido con un Pullitzer para la música.



61.-“Coloring Book”, Chance The Rapper. [2016]
A pesar de seguir denominándose un mixtape, fue la consolidación de Chance como una de las grandes fuerzas del Rap contemporáneo. En “Coloring Book” se reunieron grandes personalidades del genero (Incluidos íconos como Kanye West o Lil Wayne) para celebrar el ascenso de Chano a las grandes ligas, con un trabajo que fue el primero en alcanzar entrar al Billboard 200 solamente a base de streaming y también el primero en recibir un Grammy sin tener edición física (Mejor Album Rap en 2017).


60.- “Sometimes I Sit And Think, And Sometimes I Just Sit”, Courtney Barnett. [2015]
El Garage Rock tuvo su máxima expresión con el debut de la australiana. Mas allá de su sonido guitarrero que recuerda a los Smashing Pumpkins o los Hole más dulces, su grandeza reside en su capacidad de relatar y darle emoción a la más inerte de las escenas. Por ejemplo, pocas veces una postal tan vacua como la de “Depreston” había transmitido tanta nostalgia y desolación. 


59.- “Are We There”, Sharon Van Etten. [2014]
Sharon Van Etten se vio rodeada de compañeros de la industria para la realización de este álbum, pero esta vez fue únicamente ella quien tomó las riendas de la producción, en un esfuerzo por demostrar que era capaz de obtener excelentes resultados por sí sola. “Are We There” trajo consigo a la Sharon Van Etten confesional e íntima de siempre, pero con una madurez no vista antes. Musicalmente el avance no fue muy grande, pero fue bastante palpable en cuanto a la instrumentación y las estructuras. Aquí conocimos uno de los discos más emocionantes de los últimos años, donde la voz de Sharon, siempre emotiva y transmisora, nos cantó sobre el amor a través de todos sus ángulos y aristas.


58.-“You Want It Darker”, Leonard Cohen.  [2016]
“You Wanted It Darker” fue, en secreto, una despedida, y una muy dolorosa. Un adiós menos orquestado que el de Bowie, pero no por ellos menos anunciado. Con sentencias tan claras como “Hineni, Hineni, Im ready my lord”, “I’m leaving the table, I’m out of the game” o “I wish there was a treaty we could sign, It’s over now, the water and the wine”, está más que claro que este álbum, que versa mucho sobre la religión y la resignación, estaba pensado para ser el último. Incluso Cohen declaro en las entrevistas promocionales que estaba listo para morir. Tristemente, el autor falleció apenas unas semanas después del lanzamiento, dejando atrás un legado inconmensurable y cerrando su vida con una imponente obra de arte como lo es “You Want It Darker”. 


57.- “Puberty 2”, Mitski. [2016]
La sombra de figuras de los 90’s como los Pixies o Liz Phair recubre por completo “Puberty 2”, un disco de indie rock guiado principalmente por Mistki y su guitarra distorsionada, donde se expresa libremente sobre temas complejos como la identidad cultural/racial, la depresión, alienación o la angustia. 


56.- “Rebeldes”, Alex Anwandter. [2011]
Anwandter, junto a Gepe y Javiera Mena, fue uno de los pioneros en la fructífera escena independiente de Chile, primero dentro de Teleradio Donosio, después como Odisea y finalmente, a partir de este trabajo, publicando bajo su propio nombre. En “Rebeldes”, Alex combina su marcado activismo político con la ligereza pop característica de la nueva generación chilena. Visibilidad queer, sintetizadores, baile y preciosas melodías convergen para formar uno de los mejores lanzamientos de pop en español de la década. 


55.- “Days Are Gone”, Haim. [2013]
El sonido de Haim es único por la extraña combinación que representa: Pop ochentero, Rock, R&B e incluso Hip Hop y AOR. Por ello se han llevado comparaciones con proyectos tan dispares como lo son Shania Twain, En Vogue o Fleetwood Mac, y es en especial de estos últimos de quienes más toma su música. Desde aquel momento en el que “Forever”, el single debut de las hermanas Alana, Danielle y Este Haim comenzó a correr velozmente por diversos medios musicales en 2012, fue fácil de adivinar que se avecinaba algo importante y el lanzamiento del excelente “Days Are Gone” lo confirmó.


54.-  “Burn Your Fire For No Witness”, Angel Olsen. [2014]
Angel Olsen nos describe perfectamente el momento en el que una relación amorosa desgastada está a punto de romperse. Letras tristes, enojadas e incluso irónicas se suman al folk-rock habitual de sus primeros trabajos, en un disco directo y honesto, que encuentra su inspiración en las experiencias de la vida diaria.


53.- “Kaputt”, Destroyer. [2011]
Sophisti-pop es la mejor etiqueta existente para describir “Kaputt”, que incorpora elementos de jazz, funk, soul y disco a través de un filtro pop. Delicadeza melódica, lineas de bajo contagiosas y un refinado uso de instrumentos de metal son los componentes centrales de esta colección de pop moderno con retazos del pasado.


52.- “Arca”, Arca. [2017]
La enigmática productora de origen venezolano tiene un lugar importantísimo en el desarrollo de la música alternativa gracias a su estilo futurista y avant-garde; Anclada en la oscuridad, la saturación y la distorsión, Arca es capaz de crear los más bellos momentos apelando a la melancolía y la devastación. Canciones como “Anoche”, “Sin Rumbo” o “Desafío” evidencian que tras la más gélida de las producciones puede esconderse el más frágil de los sentimientos. 


51.- “Night Time, My Time”, Sky Ferreira. [2013]
El caso de Sky Ferreira es verdaderamente excepcional: Fichada por Parlophone/Capitol para lanzarla como una nueva princesa pop, se encontró con un sin fin de negligencias y retrasos, anunciando varios álbumes que jamás llegaron y cambiando de rumbo con cada EP o sencillo. En 2013, cuatro años después de fichar para la discográfica, por fin pudimos escuchar el debut largo de Ferreira, aunque distaba bastante de los planes originales. Quizá la intérprete fue capaz de  encontrar su identidad en los años que vagó sin dirección en su carrera, pero “Night Time, My Time”, a pesar de ser un álbum de pop, contenía también muchos otros referentes no tan instantáneos como The Jesus & Mary Chain o Garbage. Sky tristemente ha vivido de nuevo la frustración de pertenecer a una disquera que no tiene interés en seguir con su carrera y a día de hoy no existe continuación a este remarcable inicio. 

Comentarios